La parte Moderna del Museo del Louvre
Acta administrativa FAV
Hace 8 años
Basílica de San Pedro
La basílica es la obra de varios siglos. Comenzó por ser un monumento conmemorativo, en el lugar donde San Pedro fue martirizado, no lejos del circo de Nerón. A partir de 324 el emperador Constantino hizo construir una basílica. En el siglo XV la basílica paleocristiana amenazaba con derrumbarse por lo que los Papas deciden demolerla.La construcción del edifico actual se inicia el 18 de abril de 1506, durante el papado de Julio II, siendo terminada en 1626, durante el papado de Pablo V. Numerosos arquitectos y artistas participaron de esta obra: Bramante, Rafael, Sangallo, Miguel Ángel y Maderno. Gian Lorenzo Bernini proyectó la plaza y su columnata.El proyecto inicial fue encargado a Bramante, que diseñó un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas; la central en el crucero y las restantes en los ángulos. Pero a su muerte solo se había edificado poco más que los cuatro grandes pilares que debían sostener a la gran cúpula central. El encargado de proseguir la construcción fue Rafael, quien modificó la idea inicial de Bramante proyectando una planta de cruz latina en lugar de griega, pero su intervención real fue aún más reducida que la de su predecesor. Le sucedió Sangallo, con una también escueta intervención.Posteriormente la responsabilidad del diseño recayó sobre Miguel Ángel, que retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. La cúpula se encuentra justo sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol Pedro. Concebida por Miguel Ángel, fue terminada 24 años después de su muerte según el diseño definitivo de Fontana y Della Porta. Los mosaicos son de Giuseppe Cesari. Tiene un diámetro de 42,5 metros y una altura de 119 metros.La inscripción que se ve como un cinto en la base de la cúpula dice: "Tu eres Pedro, y sobre esta Roca edificaré mi Iglesia, y te daré las llaves del cielo". Las letras miden 2 metros de altura.La configuración actual de la basílica en cruz latina fue obra de Carlo Maderno, que durante el pontificado de Pablo V añadió tres crujias nuevas y proyectó la fachada.El último arquitecto en intervenir en su construcción fue Gian Lorenzo Bernini, que acometió la tarea de añadir dos torres laterales a la fachada. Iniciados los trabajos de construcción, la inestabilidad del subsuelo obligó a dejarlas inacabadas, quedando como meras extensiones de la fachada. También proyectó la plaza ovalada y las columnatas perimetrales, así como el espectacular baldaquino.
Palacio de Buckingham
El Palacio de Buckingham está habitado desde que la Reina Victoria (1819-1901) se mudó a él y su reparación, ideada por el arquitecto Nash y encargada por Jorge IV, fue costosa y incompleta. La terminó el arquitecto Edward Blore añadiendo la fachada oriental.
El Palacio de Buckingham tiene elementos relativamente recientes como la fachada de piedra de Portland que se hizo en 1913. Por tanto es una residencia no muy antigua pero que ha cobrado una importancia enorme en el siglo XX.
Crónica de una muerte anunciada.- Gabriel García Marquez
Para el autor, su novela representó un acercamiento entre lo periodístico y lo narrativo, y una aproximación a la novela policíaca. La historia contada se inspira en un suceso real, ocurrido en 1951, del que el autor tomó el suceso central (el crimen), los protagonistas, el escenario y las circunstancias, alterándolo narrativamente, pero sin descuidar nunca los datos y las precisiones obligadas en toda crónica periodística.
En un pequeño pueblo, cercano a la costa caribeña y prácticamente aislado cuya única conexión con el exterior es un río, se casan Bayardo San Román, rico y recién llegado, y Ángela Vicario. Tras celebrar su boda, los recién casados se retiran a su nueva casa, después de lo cual Bayardo descubre que su esposa no es virgen. Cuando lo descubre, devuelve a Ángela Vicario a la casa de sus padres donde la madre de la chica la apaliza. Ángela culpa de lo sucedido a Santiago Nasar, joven y querido vecino del pueblo.
Años después, Ángela Vicario seguirá escribiéndole cada día rogándole que vuelva, primero formalmente, después con cartas de jóven enamorada y, finalmente, fingiendo enfermedades... Así pues, Bayardo San Román vuelve claramente desmejorado con toda la correspondencia sin abrir.
Los hermanos Vicario -Pedro y Pablo-, obligados por la defensa del honor familiar, anuncian por todo el pueblo que matarán a Santiago Nasar, quien curiosamente no se entera sino minutos antes de morir de las intenciones de los hermanos Vicario. Éstos, después de considerarlo en varias ocasiones, acaban matándolo en la puerta de su casa, a la vista de la gente que no hizo o no pudo hacer nada para evitarlo. Pasados más de 20 años, un cronista se pregunta por tanto silencio, y reconstruye paso a paso los hechos que acabarán en la muerte de Santiago.
De este carácter real y verídico viene el nombre de crónica, que no sólo aparece en el título de la novela, sino que la orienta estructuralmente, ya que, desde el comienzo, lo que pretende el narrador es la recopilación de datos y testimonios, que de alguna manera puedan ayudar a entender el por qué del asesinato de Santiago Nasar, lo inevitable del mismo, así como los perfiles humanos y psicológicos de todos los personajes que tuvieron, por acción y omisión, algo que ver con el funesto suceso.
En un pequeño pueblo, cercano a la costa caribeña y prácticamente aislado cuya única conexión con el exterior es un río, se casan Bayardo San Román, rico y recién llegado, y Ángela Vicario. Tras celebrar su boda, los recién casados se retiran a su nueva casa, después de lo cual Bayardo descubre que su esposa no es virgen. Cuando lo descubre, devuelve a Ángela Vicario a la casa de sus padres donde la madre de la chica la apaliza. Ángela culpa de lo sucedido a Santiago Nasar, joven y querido vecino del pueblo.
Años después, Ángela Vicario seguirá escribiéndole cada día rogándole que vuelva, primero formalmente, después con cartas de jóven enamorada y, finalmente, fingiendo enfermedades... Así pues, Bayardo San Román vuelve claramente desmejorado con toda la correspondencia sin abrir.
Los hermanos Vicario -Pedro y Pablo-, obligados por la defensa del honor familiar, anuncian por todo el pueblo que matarán a Santiago Nasar, quien curiosamente no se entera sino minutos antes de morir de las intenciones de los hermanos Vicario. Éstos, después de considerarlo en varias ocasiones, acaban matándolo en la puerta de su casa, a la vista de la gente que no hizo o no pudo hacer nada para evitarlo. Pasados más de 20 años, un cronista se pregunta por tanto silencio, y reconstruye paso a paso los hechos que acabarán en la muerte de Santiago.
De este carácter real y verídico viene el nombre de crónica, que no sólo aparece en el título de la novela, sino que la orienta estructuralmente, ya que, desde el comienzo, lo que pretende el narrador es la recopilación de datos y testimonios, que de alguna manera puedan ayudar a entender el por qué del asesinato de Santiago Nasar, lo inevitable del mismo, así como los perfiles humanos y psicológicos de todos los personajes que tuvieron, por acción y omisión, algo que ver con el funesto suceso.
Casablanca
Casablanca (1942) es una película estadounidende dirigida por Michael Curtiz. Narra una historia romántica en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes to Rick's) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que éste pueda continuar su lucha contra los nazis.
Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un inicio sólido pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.
Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un inicio sólido pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.
El Padrino
The Godfather, cuyo título completo original es: Mario Puzo's The Godfather, conocida en español como El Padrino, es una película estadounidense de 1972 basada en el libro de Mario Puzo y fue dirigida por Francis Ford Coppola. La película cuenta con actores de la talla de Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, Diane Keaton y James Caan. La historia data de finales de 1945 hasta 1955.
El Padrino fue escogida como la tercera mejor película en la historia cinematográfica americana (detrás de Citizen Kane y Casablanca) por American Film Institute. Posteriormente, fue re-escogida en la segunda plaza tras Citizen Kane. También ha sido nombrada en la primera posición en listas elaboradas por Internet Movie Database, FilmAffinity y Rotten Tomatoes, entre otras.
El Padrino es una película basada en el libro del mismo nombre, escrito por Mario Puzo. Fue la primera de una trilogía completada por El Padrino II (1974) y El Padrino III (1990). El Padrino ganó tres Premios Óscar en 1973, a la mejor película, mejor guión de Mario Puzo y Francis Ford Coppola y mejor actor para Marlon Brando.
El Padrino fue escogida como la tercera mejor película en la historia cinematográfica americana (detrás de Citizen Kane y Casablanca) por American Film Institute. Posteriormente, fue re-escogida en la segunda plaza tras Citizen Kane. También ha sido nombrada en la primera posición en listas elaboradas por Internet Movie Database, FilmAffinity y Rotten Tomatoes, entre otras.
El Padrino es una película basada en el libro del mismo nombre, escrito por Mario Puzo. Fue la primera de una trilogía completada por El Padrino II (1974) y El Padrino III (1990). El Padrino ganó tres Premios Óscar en 1973, a la mejor película, mejor guión de Mario Puzo y Francis Ford Coppola y mejor actor para Marlon Brando.
Sueño de Una Noche de Verano
El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream) es una comedia escrita por William Shakespeare alrededor de 1595. Está considerada como uno de los grandes clásicos de la literatura teatral mundial. Al parecer fue escrita con motivo de la conmemoración de la boda de Sir Thomas Berkeley y Elizabeth Carey, en febrero de 1596.Los principales temas de esta obra son los sueños y la realidad, el amor y la magia. Esta comedia relata la historia de dos parejas de enamorados que sufren y disfrutan por causa de su amor y de las argucias de sus enamorados. El trasfondo común se encuentra en las celebraciones de la boda entre el duque Teseo y la reina de las amazonas Hipólita, anteriormente enemigos en batalla, amantes a punto de casarse al comenzar la obra. Personajes mitológicos como el rey y la reina de las hadas, Oberón y Titania, o el duende Puck (Robin)entremezclan sus propios destinos y el de dos parejas de enamorados: Hermia y Lisandro, Demetrio y Helena. La trama se desarrolla en tres actos en los que la rivalidad entre Titania y Oberón trastorna los acontecimientos entre los enamorados mortales pero también entre un humilde súbdito de Teseo y la propia Titania. Al final los pesares y sufrimientos del amor se resuelven quedando tan solo como el recuerdo del sueño de una noche de verano.
Richard Hamilton
Richard Hamilton (Londres, 24 de febrero de 1922 - ) es un pintor británico, pionero del arte pop británico.
Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título, entra a trabajar en una agencia publicitaria, mientras que acude a clases nocturas en el St. Martin's School of Art y el Westminster Technical College. Con dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes.
En los años cincuenta, su obra, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se preocupa por el movimiento o la perspectiva.
En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This is Tomorrow. Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?), el cual se convertiría en el manifiesto del arte pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.
En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups (caramelo con palo) sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta tierra a modo de techo.
También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Album Blanco) de The Beatles, en 1968.
Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título, entra a trabajar en una agencia publicitaria, mientras que acude a clases nocturas en el St. Martin's School of Art y el Westminster Technical College. Con dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes.
En los años cincuenta, su obra, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se preocupa por el movimiento o la perspectiva.
En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This is Tomorrow. Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?), el cual se convertiría en el manifiesto del arte pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.
En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups (caramelo con palo) sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta tierra a modo de techo.
También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Album Blanco) de The Beatles, en 1968.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (nacido el 22 de octubre de 1925, en Port Arthur, Texas; fallecido el 12 de mayo de 2008, en Tampa, Florida) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país.
Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance. En 1953, Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning.
En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional.
De Robert Rauschenberg vivía y trabajaba en la ciudad de Nueva York y en Captiva Island, Florida.
Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance. En 1953, Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning.
En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional.
De Robert Rauschenberg vivía y trabajaba en la ciudad de Nueva York y en Captiva Island, Florida.
En que Satisfaga un Recelo
Esta tarde, mi bien, cuando te hablaba,
como en tu rostro y en tus acciones vía
que con palabras no te persuadía,
que el corazón me vieses deseaba.
Y Amor, que mis intentos ayudaba,
venció lo que imposible parecía,
pues entre el llanto que el dolor vertía,
el corazón deshecho destilaba.
Baste ya de rigores, mi bien, baste,
no te atormenten más celos tiranos,
ni el vil recelo tu quietud contraste
con sombras necias, con indicios vanos:
pues ya en líquido humor viste y tocaste
mi corazón deshecho entre tus manos.
como en tu rostro y en tus acciones vía
que con palabras no te persuadía,
que el corazón me vieses deseaba.
Y Amor, que mis intentos ayudaba,
venció lo que imposible parecía,
pues entre el llanto que el dolor vertía,
el corazón deshecho destilaba.
Baste ya de rigores, mi bien, baste,
no te atormenten más celos tiranos,
ni el vil recelo tu quietud contraste
con sombras necias, con indicios vanos:
pues ya en líquido humor viste y tocaste
mi corazón deshecho entre tus manos.
Robert Indiana
Robert Clark (nacido en New Castle, Indiana el 13 de septiembre de 1928), más conocido como Robert Indiana, es un artista estadounidense asociado con el movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.
Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país.
Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país.
Eduardo Paolozzi
El profesor Sir Eduardo Luigi Paolozzi CBE FRA (7 de marzo de 1924 – 22 de abril de 2005), fue un escultor y artista escocés. Paolozzi nació en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.
Pablo Picasso
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso[1] fue un pintor y escultor español. (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins (Francia), 8 de abril de 1973). Uno de los principales artistas del siglo XX. Fundó, con Georges Braque y Juan Gris, el movimiento cubista.
Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Participó y estuvo en la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron en todo el mundo y ejerció de ese modo una gran influencia en muchos otros grandes artistas de su tiempo. Incansablemente prolífico, pintó más de 2000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo.
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida.
Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Participó y estuvo en la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron en todo el mundo y ejerció de ese modo una gran influencia en muchos otros grandes artistas de su tiempo. Incansablemente prolífico, pintó más de 2000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo.
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida.
Andy Warhol
Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Théodore Géricault
Jean-Louis André Théodore Géricault, conocido como Théodore Géricault (Ruán, Francia, 26 de septiembre de 1791 - París, 26 de enero de 1824), fue un pintor francés. Prototipo de artista romántico, tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él.
Desde los inicios de su carrera, Géricault demuestra cualidades que le distinguen claramente de los pintores neoclásicos de la escuela de Jacques-Louis David: en efecto, prefiere tratar temas de la vida cotidiana, elevándolos a la categoría de hechos heroicos. Mostrando la desesperación y el sufrimiento de la gente, pasa pronto a ser el pintor romántico más representativo, pero por independencia de estilo y carácter poco dócil, Géricault se mantiene al margen de los grandes encargos oficiales, un género que sí sedujo a Delacroix.
Géricault realizó entre 1821 y 1824, una serie de pinturas con modelos de locos o maníacos, tomando del natural a una serie de personas que eran tratadas en el asilo del psiquiatra Jean-Étienne Esquirol. A través de esta serie pretendía recabar un repertorio de expresiones de la locura.
Aquí su obra Cuirassier Blesse del Museo del Louvre.
Desde los inicios de su carrera, Géricault demuestra cualidades que le distinguen claramente de los pintores neoclásicos de la escuela de Jacques-Louis David: en efecto, prefiere tratar temas de la vida cotidiana, elevándolos a la categoría de hechos heroicos. Mostrando la desesperación y el sufrimiento de la gente, pasa pronto a ser el pintor romántico más representativo, pero por independencia de estilo y carácter poco dócil, Géricault se mantiene al margen de los grandes encargos oficiales, un género que sí sedujo a Delacroix.
Géricault realizó entre 1821 y 1824, una serie de pinturas con modelos de locos o maníacos, tomando del natural a una serie de personas que eran tratadas en el asilo del psiquiatra Jean-Étienne Esquirol. A través de esta serie pretendía recabar un repertorio de expresiones de la locura.
Aquí su obra Cuirassier Blesse del Museo del Louvre.
Catedral de Colonia
La Catedral de Colonia (Kölner Dom en alemán), de estilo gótico, comenzó a construirse en 1248 y no se terminó hasta 1880. Está situada en el centro de la ciudad de Colonia. Es el monumento más visitado de Alemania. Con sus 157 metros de altura fue el edificio más alto del mundo hasta la culminación del Monumento Washington en 1884, con 170 metros.
Es la mayor catedral de Alemania y la catedral gótica de mayores dimensiones del mundo. Cuenta con la campana balanceante más grande del mundo ("Der dicke Pitter", en el dialecto de Colonia: "Pedro el gordo", que suena sólo en ocasiones muy especiales). Posee una plataforma, desde donde se tiene, a 95 metros de altura, una excelente vista de la ciudad y del paisaje de los alrededores.
Según la tradición, en su interior reposan los restos de los tres Reyes Magos.
Es la mayor catedral de Alemania y la catedral gótica de mayores dimensiones del mundo. Cuenta con la campana balanceante más grande del mundo ("Der dicke Pitter", en el dialecto de Colonia: "Pedro el gordo", que suena sólo en ocasiones muy especiales). Posee una plataforma, desde donde se tiene, a 95 metros de altura, una excelente vista de la ciudad y del paisaje de los alrededores.
Según la tradición, en su interior reposan los restos de los tres Reyes Magos.
Los Invalidos
El edificio final tiene grandiosidad y sencillez. Desde la explanada de los Inválidos se percibe la rectitud de sus líneas de fachada, que realzan el poder de la gran cúpula. También es notable la imagen que se observa desde la plaza Vauban. En el interior destaca el patio principal y la iglesia del Domo, con la notable cúpula. En este edificio se halla el Museo de la Armada y, sobre todo, la tumba donde reposan los restos de Napoleón, traídos desde la isla de Santa Elena 19 años después del fallecimiento.
Libertad guiando al pueblo
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco esta representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.
El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella . El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicandonos que ha valido la pena morir por ella.
El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella . El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicandonos que ha valido la pena morir por ella.
Museo de Versalles
En 1623, Luis XIII, padre de Luis XIV, mandó construir en Versalles "un lugar para la caza, un palacete de gentilhombre" de ladrillo, piedra y pizarra. El rey se sentía tan a gusto que ordenó en seguida la ampliación de éste a su "ingeniero y arquitecto" Philibert Le Roy. El primer palacio de Versalles corresponde con los edificios que rodean el Patio de Mármol. Entre 1661 y 1668 el joven Luis XIV, encargó las obras de embellecimiento del palacio a su arquitecto Louis Le Vau. Pero este "castillo de naipes", según la expresión de Saint-Simon, era demasiado pequeño, por lo cual la ampliación era inminente. Le Vau fue elegido de nuevo para realizar las obras. Entre 1668 y 1670 comenzó la construcción de la Envoltura; Saint-Simon criticó severamente el contraste que se establecía con el antiguo palacio: "lo hermoso y lo feo, lo vasto y lo estrecho han sido cosidos juntos". De hecho, la Envoltura de Le Vau consistía en un segundo edificio con fachadas de piedra blanca, que rodeaba el primer palacio y le servía de pantalla por el lado de los jardines. Esta construcción, cuya terraza central se inspiraba en las villas barrocas italianas, fue continuada por François d'Orbay después del fallecimiento de Le Vau en 1670. En ella se encuentran los Grands Appartements. El 6 de mayo de 1682 Versalles se convirtió en la residencia principal de la corte de Francia, en detrimento del Louvre y de Saint-Germain. Gracias a su doble vocación, residencia real y Museo de la Historia de Francia, el palacio de Versalles posee un tesoro artístico que se caracteriza por la cantidad, la calidad y la diversidad de sus obras de arte. Entre las pinturas y esculturas decorativas, la arquitectura y el arte de los jardines destacan numerosas piezas de colección. Desde las miniaturas a los monumentos, desde la Edad Media hasta el siglo XX, la sutil variedad de estilos y de técnicas, a menudo representada por obras maestras, define las colecciones del palacio, sobre todo en los campos del mobiliario francés del siglo XVIII y del arte del retrato a través de los diferentes periodos de la historia.
Wolfgang Amadeus Mozart
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, más conocido con el nombre de Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, Arzobispado de Salzburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, Archiducado de Austria, Sacro Imperio Romano Germánico, 5 de diciembre de 1791) es considerado como uno de los más grandes compositores de música clásica del mundo occidental.
Se mostró siempre como un gran teórico e innovador de la composición musical. Su marcado perfeccionismo lo manifestaría al escribir, a la edad de 22 años, la siguiente frase: "Me gusta que un aria quede tan a la medida de un cantante como un traje bien hecho". Según el testimonio de sus contemporáneos era, tanto al piano como al violín y la viola, un virtuoso.
Posteriormente artistas de distintas épocas y géneros del arte han sido influenciados por su música. Incluso el premio Nobel 1984, el poeta checo Jaroslav Seifert, llegaría a afirmar que ésta inspiró a la composición de sus versos.
Estudios realizados durante la década pasada atribuyen a su música, en especial a la sonata K.448, diversas cualidades como la de incrementar algunas capacidades del cerebro, así como disminuir la actividad epileptógena. Esto ha sido calificado como el "efecto Mozart", el cual se sostiene tendría una duración de 15 minutos.[cita requerida]
A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época
Se mostró siempre como un gran teórico e innovador de la composición musical. Su marcado perfeccionismo lo manifestaría al escribir, a la edad de 22 años, la siguiente frase: "Me gusta que un aria quede tan a la medida de un cantante como un traje bien hecho". Según el testimonio de sus contemporáneos era, tanto al piano como al violín y la viola, un virtuoso.
Posteriormente artistas de distintas épocas y géneros del arte han sido influenciados por su música. Incluso el premio Nobel 1984, el poeta checo Jaroslav Seifert, llegaría a afirmar que ésta inspiró a la composición de sus versos.
Estudios realizados durante la década pasada atribuyen a su música, en especial a la sonata K.448, diversas cualidades como la de incrementar algunas capacidades del cerebro, así como disminuir la actividad epileptógena. Esto ha sido calificado como el "efecto Mozart", el cual se sostiene tendría una duración de 15 minutos.[cita requerida]
A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época
Diego Rivera
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (Guanajuato; 8 de diciembre de 1886 — México, D. F.; 24 de noviembre de 1957) fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Es creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo,[1] y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y Nueva York.
En 1905 recibe una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibe otra del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios a obras como las de Goya, El Greco y Brueghel;[3] e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid. A partir de entonces y hasta mediados 1916 alterna su residencia entre México, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con las reuniones de artistas de Montparnasse, donde tuvo acercamientos con intelectuales y artistas de como Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán, consiguiendo el acercamiento con las nuevas corrientes que en Europa existían como el cubismo. Hacia 1917, influenciado por las pinturas de Paul Cézanne, se introduce en el Postimpresionismo, logrando captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos.
En enero de 1922, comenzo a pintar su primer mural, en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional.[4] La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de ese mismo año se casa con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata Marín", que la muchacha que limpiaba la casa en donde éste vivía mientras hacía el mural de la Escuela Nacional Preparatoria. Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y ojos verdes.
En 1905 recibe una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibe otra del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios a obras como las de Goya, El Greco y Brueghel;[3] e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid. A partir de entonces y hasta mediados 1916 alterna su residencia entre México, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con las reuniones de artistas de Montparnasse, donde tuvo acercamientos con intelectuales y artistas de como Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán, consiguiendo el acercamiento con las nuevas corrientes que en Europa existían como el cubismo. Hacia 1917, influenciado por las pinturas de Paul Cézanne, se introduce en el Postimpresionismo, logrando captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos.
En enero de 1922, comenzo a pintar su primer mural, en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional.[4] La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de ese mismo año se casa con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata Marín", que la muchacha que limpiaba la casa en donde éste vivía mientras hacía el mural de la Escuela Nacional Preparatoria. Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y ojos verdes.
El fantasma de la Ópera
La novela de Gastón Leroux, publicada en 1910, está ambientada en el París del siglo XIX, concretamente en la Ópera Garnier, un edificio lujoso y monumental construido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados afirman que la ópera está encantada por un fantasma misterioso que provoca muchos accidentes. El fantasma de la ópera (le fantôme de l'Opéra) chantajea a los dos gerentes de la ópera para que le paguen 20.000 francos al mes y le reserven una cabina privada para los conciertos, ya que él compone todas las óperas que se presentan ahí o hace arreglos musicales.
Mientras, la joven diva Christine Daaé (que cree estar inspirada y guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre) llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces "Prima Donna" Carlotta, que tuvo que ser sustituida (dos veces porque cayó en una extraña enfermedad).
En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el Vizconde Raoul de Chagny.
El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul, y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando ella promete que volverá a visitarlo por su propia voluntad.
Chistine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma.
El fantasma descubre su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod, la secuestra en pleno escenario y deja caer un inmenso candelabro que se encontraba en el teatro. Abajo, en el hogar del fantasma, tiene lugar la última confrontación, entre el fantasma, Christine y Raoul
Mientras, la joven diva Christine Daaé (que cree estar inspirada y guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre) llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces "Prima Donna" Carlotta, que tuvo que ser sustituida (dos veces porque cayó en una extraña enfermedad).
En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el Vizconde Raoul de Chagny.
El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul, y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando ella promete que volverá a visitarlo por su propia voluntad.
Chistine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma.
El fantasma descubre su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod, la secuestra en pleno escenario y deja caer un inmenso candelabro que se encontraba en el teatro. Abajo, en el hogar del fantasma, tiene lugar la última confrontación, entre el fantasma, Christine y Raoul
Don Quijote de la Mancha
La inspiración de Cervantes para componer esta obra vino, al parecer, del llamado Entremés de los romances, que era de fecha anterior (aunque esto es discutido). Su argumento ridiculiza a un labrador que enloquece creyéndose héroe de romances. El labrador abandonó a su mujer, y se echó a los caminos, como hizo Don Quijote. Este entremés posee una doble lectura: también es una crítica a Lope de Vega; quien, después de haber compuesto numerosos romances autobiográficos en los que contaba sus amores, abandonó a su mujer y marchó a la Armada Invencible. Es conocido el interés de Cervantes por el Romancero y su resentimiento por haber sido echado de los teatros por el mayor éxito de Lope de Vega, así como su carácter de gran entremesista. Un argumento a favor de esta hipótesis sería el hecho de que, a pesar de que el narrador nos dice que Don Quijote ha enloquecido a causa de la lectura de novelas de caballerías, durante su primera salida recita romances constantemente, sobre todo en los momentos de mayor desvarío. Por todo ello, podría ser una hipótesis verosímil.
Nike
Celebre escultura obra maestra del estilo helenístico (fin del siglo VII a. C.) El mármol griego original. Estaba hecha pedazos cuando la encontraron en 1863 en la isla de Samothrace. La posición de los brazos de la Victoria es objeto de discusión, pero un descubrimiento reciente prueba que una de las manos tendida hacia un ademán de victoria. Como la estatua se encuentra colocada en la proa de una galera de piedra, se cree que la destinaban a conmemorar una victoria naval. El creador de esta obra dinámica utilizó un tema conocido desde el siglo V a. C. de la victoria. Nike en griego simbolizada por una mujer con alas tratado como una figura de proa azotada por el viento; pero gracias a su ingenio transfiguró el motivo antiguo. Hizo este cuerpo poderoso y fogoso que va a la conquista de los mares. En el descansillo de la escalera a la derecha de la Victoria, hay una pequeña vitrina en que está la mano de la estatua. Se descubrio esta mano (palma y fragmento anular) en 1950 en el mismo sitio en que se habían encontrado los otros fragmentos de la estatua. Se supo después que un pulgar y la parte inferior de un anular, conservados en Viena se adaptaban a la mano que se encuentra en Samothrace. Es gracias a un intercambio que esta mano entró en las colecciones del Museo del Louvre. (Paris)
El Coliseo
El Coliseo romano, anfiteatro situado en el centro de la capital itailana, es una edificio que data su contrucción entre el año 70 dC y el 80 dC. Su función era servir de recinto para diversos espectáculos romanos como la lucha entre gladiadores, recreaciones de batallas y teatro sobre mitología clásica.
Su aforo llegó a ser de 50.000 personas y se estuvo uitlizando durante 500 años, hasta el siglo VI. Más tarde se le dieron distintos usos como refugio, sede cristiana, fábrica y sobrevivir a varios terremotos.
Su aforo llegó a ser de 50.000 personas y se estuvo uitlizando durante 500 años, hasta el siglo VI. Más tarde se le dieron distintos usos como refugio, sede cristiana, fábrica y sobrevivir a varios terremotos.
Shakespeare
William Shakespeare (c. 26 de abril de 1564 - 3 de mayo de 1616) del calendario gregoriano; Segun el calendario juliano:23 de abril de 1564 - 23 de abril de 1616[1] del calendario juliano), fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.Las obras de Shakespeare han sido traducidas a más de setenta idiomas y sus piezas dramáticas continúan representándose por todo el mundo. Además, muchas citas y neologismos de sus obras han pasado a formar parte del uso cotidiano, tanto en el inglés como en otros idiomas. Con el paso del tiempo, se ha especulado mucho sobre su vida, cuestionando su sexualidad, su afiliación religiosa, e incluso, la autoría de sus obras.
Monet
Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el plenerismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también - y ese es el significado que aquí más nos importa-: AIRE LIBRE). La pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda mitad de S.XIX, las pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La invención de los pomos permitió a los pintores llevar sus óleos o temperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces. Bien que este aporte industrial no bastó: se requirió de genios, y un genio para la pintura al plein-air (y para la pintura universal) nos ha resultado Monet.
Arquitectura- Torre Eiffel
La Torre Eiffel (Tour Eiffel, en francés) es una estructura construida por el ingeniero francés Gustave Eiffel en ocasión de la Exposición universal de 1889 en París.Tiene una altura de 324 metros con un peso (recién construida) de 7.300 toneladas, si bien hoy en día se calcula su peso en más de 10.000 (debido al museo, restaurantes, almacenes y tiendas que alberga en la actualidad). Estaba previsto que la torre alcanzase los 350 metros, pero los vecinos se asustaron (por la amenaza de que un edificio tan alto y construido sin apenas piedras pudiera caerse) y se manifestaron, provocando un cambio de planes. Los 24 últimos metros correponden a una antena de televisión que fue añadida mucho después.Construida en controversia con los artistas de la época, que la veían como un monstruo de acero, es considerada sin lugar a dudas como el símbolo indiscutible de Francia y de la ciudad de París en particular, siendo el monumento más visitado del mundo.El color original de la torre fue el amarillo, aunque hoy en día no quede nada de él.
Museo del Louvre
El museo del Louvre cuenta actualmente con diferentes colecciones de obras de arte provenientes de civilizaciones, culturas y épocas variadas. Contiene alrededor de 300.000 piezas, de las que solo 35.000 están expuestas.
Las colecciones del Louvre provienen de diversos orígenes:
Las colecciones reales. Los monarcas franceses mostraron, ya desde el siglo XIV, afición por adquirir obras de arte, debiendo destacarse la labor de Francisco I y Luis XIV con la adquisición de la colección del banquero Jabach y del cardenal Mazarino; Luis XV adquirió la colección del príncipe de Carignan, y Luis XVI, cuadros de las escuelas flamenca y holandesa.
La revolución francesa significó la obtención de obras de arte para el estado por diversos caminos: la supresión de las órdenes monásticas, la desafectación de las iglesias y el abandono de bienes por la nobleza huida. También, entre 1794 y 1795, llegaron obras requisadas por el ejército revolucionario en Bélgica y Holanda.
En 1801 la firma del Concordato obligó a devolver a las iglesias obras religiosas.
Durante los siglos XIX y XX, la colección se incrementó mediante donaciones de coleccionistas privados.
En el Museo del Louvre se encuentra la más que famosa Gioconda del no menos célebre pintor y escultor Leonardo Da Vinci, así como otras obras del Arte universal como la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia o El escriba sentado, de la V dinastía de Egipto. Aunque estos hechos han provocado tensiones entre los franceses y los italianos, griegos y egipcios ya que los primeros se han "apoderado" de sus obras más importantes.
Aparte de ello también podemos encontrar en él bastantes obras de autores muy conocidos como pueden ser Jacques-Louis David, Fragonard, Rembrandt, Rubens, Tiziano, Poussin, incluso españoles como Goya o Zurbarán..
Las colecciones del Louvre provienen de diversos orígenes:
Las colecciones reales. Los monarcas franceses mostraron, ya desde el siglo XIV, afición por adquirir obras de arte, debiendo destacarse la labor de Francisco I y Luis XIV con la adquisición de la colección del banquero Jabach y del cardenal Mazarino; Luis XV adquirió la colección del príncipe de Carignan, y Luis XVI, cuadros de las escuelas flamenca y holandesa.
La revolución francesa significó la obtención de obras de arte para el estado por diversos caminos: la supresión de las órdenes monásticas, la desafectación de las iglesias y el abandono de bienes por la nobleza huida. También, entre 1794 y 1795, llegaron obras requisadas por el ejército revolucionario en Bélgica y Holanda.
En 1801 la firma del Concordato obligó a devolver a las iglesias obras religiosas.
Durante los siglos XIX y XX, la colección se incrementó mediante donaciones de coleccionistas privados.
En el Museo del Louvre se encuentra la más que famosa Gioconda del no menos célebre pintor y escultor Leonardo Da Vinci, así como otras obras del Arte universal como la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia o El escriba sentado, de la V dinastía de Egipto. Aunque estos hechos han provocado tensiones entre los franceses y los italianos, griegos y egipcios ya que los primeros se han "apoderado" de sus obras más importantes.
Aparte de ello también podemos encontrar en él bastantes obras de autores muy conocidos como pueden ser Jacques-Louis David, Fragonard, Rembrandt, Rubens, Tiziano, Poussin, incluso españoles como Goya o Zurbarán..
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